【展覧会】川嶋渉 個展「東洋の黒」
展覧会ステートメント・推薦文

2026.2.1

東洋の黒 (英訳: The Depth Within Ink)
 
私自身に『絵画』を描いているという奢りはない。
むしろ、禅庭を作り出すことによって自己の悟りへと至ろうとした僧侶たちのように、描くことで辿り着こうとしているのである。

 

私は《古墨》という個性的な粒子の煤を水に任せて、《紙》の表層に、『現象』を引き起こしているに過ぎない。その『現象』が『絵画』的な佇まいを見せているが、そこには何を描くのかという作者の意図が希薄に見えることが重要だと考える。目の前に現れた『絵画的な現象』に何を見出すかは、作品と問いを交わした鑑賞者に委ねられる。
 
壁画を由来とする顔料を用いた絵画において、顔料の粒子を膠でくるみ、基底材に定着させるというプロセスはごく当たり前のものであるが、《墨》を顔料的に扱うということは他にない。墨の主な原料は煤（炭素）と膠であり、煤を膠で練り、押し固め・乾燥させて作られる。使用する際は、硯に水を垂らし、墨を当てて磨ることで使用できる。この煤は、ごく微細ながらも粒子であるからには顔料として扱われてもおかしくないはずなのだが、その粒子の微細さ・均一さ故か、そう扱われる場面が少ない。また、粒子感が大きい墨は、そもそも墨として不適格とされてきた。
 
私が使用する《古墨》は、何十年・何百年もの歳月が経っている。長い時間を固形の《墨》という形の中に押し込められていた《煤》に、清らかな水を与え、硯でほぐすことで、長い眠りから目覚めさせ、現代に解き放つ。その粒子を、水と共に筆で吸い上げ、紙の上に走らせる。水の中に分散している墨の粒子は、画中で踊り、揺らぎ、ゆっくりと沈む。やがて水が引き、粒子が紙の上に『現象』を浮かび上がらせるのだ。そこには、墨が経た時間をも内包している。
 
じっと絵の中の庭を眺めて欲しい。そこに数多存在する、時を超えて蘇った粒子と水との邂逅が引き起こした『現象』に何を観るのか。そこにある墨の深さに目を凝らす様に、己の内側にも目を凝らしてみて欲しい。

 

 

The Depth Within Ink

I do not presume that I am “painting.”

 

Rather, like the monks who sought enlightenment through the making of Zen gardens, I approach painting as a path — something through which I attempt to arrive.

 

What I do is simple: I entrust the distinctive soot particles of old ink to water and allow them to give rise to a “phenomenon” upon the surface of paper. That phenomenon may assume the appearance of painting, yet it is essential that the artist’s intention — what is being depicted — remains faint. What one discovers within the pictorial phenomenon is entrusted to the viewer who enters into dialogue with the work.

 

In mural-based traditions, pigment particles are bound with animal glue and fixed onto a support. Ink, however, is rarely treated as pigment. It is composed primarily of soot (carbon) and glue, pressed and dried into solid form. When used, water is added on an inkstone and the ink is ground into liquid. Though soot consists of fine particles and could be regarded as pigment, its extreme fineness and uniformity have perhaps kept it from being treated as such. Ink with coarser particles has even been considered unsuitable.

 

The old ink I use has aged for decades, sometimes centuries. The soot, long compressed within the solid form of ink, is given pure water and gently loosened on the inkstone — awakened from its extended sleep and released into the present. Lifted into the brush, the particles move across the paper. Suspended in water, they drift, tremble, and slowly settle. As the water recedes, they surface as a “phenomenon” upon the paper. Within it resides the time the ink itself has endured.

 

I invite you to gaze quietly into this garden within the painting. What do you perceive in the phenomena born from the encounters between revived particles and water? As you look into the depth of the ink, I ask that you also look inward — into your own depths.

 

Wataru Kawashima
 

「東洋の黒」だから、東洋の言葉から始めよう。川嶋渉の作品では、あえて劣化した墨が使用されている。そう聞くと思い浮かぶのは、「寂び」という言葉だ。寂びは、元々は、何かが古びて色褪せ朽ちていく経年劣化の様子を指す言葉であり、次第に、そういう佇まいが具えている寂寞や寒々しさを意味するようになった。劣化した墨の様子には、たしかに寂びの印象が宿っている。

 

だが、川嶋の作品に見出しやすいのは、寂びよりも「侘び」である。侘びは、豪奢で格式高いものが主流である中で、あえて清潔にして簡素なものを選び取る感性のことである。通常の作品制作には、均質で画一的に発色することが求められるけれども、川嶋はあえて不安定な動きをする不揃いな黒を操って作品に取り込んでいる。その意味で川嶋の作品には、たしかに侘びの感性が備わっている。

 

侘び寂びとは異なる角度から、この展示を語ることもできる。ある茶人に長次郎の黒楽茶碗を見せてもらったとき、「これを昔みたいな薄暗い部屋で持ったら、『温度のある黒さに触れている』と感じたでしょうね」と言われたことがある。これと似た話が、作家・谷崎潤一郎の『陰翳礼讃』にあった。谷崎は、薄暗い部屋の中で羊羹を食べる経験は、まるで黒を取り入れる経験だと考え、その陶酔的な喜びを「瞑想」に喩えた。

 

この二つのエピソードから、不均質な黒を直接体験することに価値を見出す系譜が日本には存在していることがわかる。その意味で本展示の作品は、水墨画の伝統において、不均質な黒に直接触れる体験を導入するものだと位置づけられる。曖昧で多様な黒の表情を鑑賞者に投げ出すこと。本展示は、まるで黒さそのものに触れているかのような体験ができる場所なのである。

 

この展示は、間違いなく「東洋の黒」と呼ぶにふさわしい。しかし、東洋を離れて西洋に友人を見つけることができる。18世紀の文豪ゲーテは、『色彩論』（1810年）でアイザック・ニュートンを批判した。ニュートンは、暗闇を光の欠如として消極的に位置づけることしかできなかったからだ。暗闇には積極的な価値があると考えたゲーテは、光と暗闇の両極のあわいに色彩現象が生じるという見解を採った。真っ白な光と真っ暗闇のあいだで、黒は際限なく多様な表情を見せる。本展示の曖昧で複雑な黒の佇まいに、ゲーテなら価値を見出しただろう。

 

哲学者　谷川嘉浩

 

The Depth Within Ink
—    Yoshihiro Tanigawa, Philosopher

 

Since this exhibition is titled The Depth Within Ink, let us begin with an Eastern word.

 

In Wataru Kawashima’s work, deliberately aged ink is employed. One might first think of sabi — a term that originally described the fading and weathering brought about by time, and which later came to evoke the quiet desolation such aging carries. The character of aged ink indeed bears something of this quality.

 

Yet what emerges more distinctly in Kawashima’s work is not sabi but wabi. If sabi speaks of the traces left by time, wabi names a sensibility that, amid prevailing tastes for polish and refinement, deliberately chooses restraint and simplicity. Whereas artistic production often seeks uniformity and stable coloration, Kawashima embraces irregular, unstable blacks and incorporates their unpredictable movement into his work. In this respect, his practice resonates deeply with wabi.

 

We may approach this exhibition from another angle. A tea practitioner once showed me a black Raku tea bowl by Chōjirō and remarked that, in a dimly lit room, one would feel as though touching a blackness with temperature. A similar reflection appears in In Praise of Shadows by Jun’ichirō Tanizaki. Tanizaki described the experience of eating yōkan in subdued light as akin to taking darkness into oneself, likening its quiet, contemplative pleasure to meditation.

 

From these episodes, we glimpse a lineage within Japan that finds value in the direct experience of heterogeneous blackness. In this sense, the works in this exhibition may be situated within the tradition of ink painting as introducing precisely such an encounter — an encounter with shifting, uneven black. By offering viewers its manifold expressions, the exhibition becomes a space in which one feels almost as though touching blackness itself.

 

This exhibition is indeed worthy of the name The Depth Within Ink. Yet beyond the East, one may find a kindred spirit in the West. In Theory of Colours (1810), Johann Wolfgang von Goethe challenged Isaac Newton for treating darkness only as the absence of light. For Goethe, darkness possessed positive value, and color phenomena arose in the interval between light and dark. Between pure light and absolute darkness, black reveals inexhaustible variation. One may imagine that Goethe, too, might have found resonance in the ambiguous and complex blackness presented here.