ヤノベケンジ・米山舞対談「アートとアニメーション、アナログとデジタルをボーダレスに横断する二人のアーティストによる夢の共作と新たな挑戦」

 

米山舞とヤノベケンジ、世代もジャンルも違う異色の二人のコラボレーションがどのようになるのか？米山のスタジオで制作中のヤノベと米山に話を聞いた。

 

ヤノベ：「米山さんと初めてお会いしたのは、ウルトラファクトリーに見学に来られた時なんです。アニメーター、イラストレーターとしてすでに活躍しているのに、自分の分野とは違うものづくりの現場を見て、ここに住み込んでつくってみたいとおっしゃった。そういう垣根も越えて、創造しようとする挑戦的な精神にすごく魅力を感じました。キャリアを積んで大成すれば、そこに留まって安定しようとする人が多い中で、SSSのようなイラストレーションのチームを組みながら、業界自体を変えていくパイオニア精神も持っている。だから、それはもうぜひ使ってくださいということで話は進みました。」

 

米山は、実はヤノベが勤める京都芸術大学の通信教育学部のイラストレーションコースの講師や広報ビジュアルなども担当していた。ちょうどアンテルーム京都で米山が所属するイラストレーター集団SSS by applibotのメンバーと京都の伝統工芸の職人とコラボレーションした展覧会「SSS Re＼arise」を開催していたこともあって、京都芸術大学の施設を視察していたのだ。

 

米山：「通信教育部のキービジュアルを担当させていただいた関係で、その担当の方にぜひ寄ってみないかとご提案いただきウルトラファクトリーさんを案内いただきました。そこでどのように作品制作に向き合い活動をしているかを目の当たりにして、リスペクトを持ちましたし、自分も創るのであれば、このぐらいやりたいな！という気持が強くなりました。何より沢山の未知の設備や道具があってワクワクしたんですよね。作品にはプロセスが大事だと思っているので、創りたいって言っているのに自分は現場にはいない、というのが想像できなかったんです。職人的なものも好きだし、そういうスピリットが自分にもないといけないなと思っていて、とにかく物を創ることに憧れたんですよ。デジタル上でのイラストレーション表現や、IP（Intellectual Property、知的財産）をチームでやらせて頂いてきた経験はあるのですが、自分の感性をアナログ作品として反映させたらどんな出力になるんだろう？という単純な興味が湧いてきたんです。」

 

京都芸術大学のウルトラファクトリーは、どこの学部・学科の学生も使用することができる大学の学部を超えた共通工房として2008年に開設された。その設立から現在までディレクターを務めているのがヤノベだ。

ヤノベは、1990年代から活躍する現代美術作家で、村上隆や奈良美智などと並び、漫画やアニメ、特撮映画といった日本の戦後のサブカルチャーで育まれた美学をいち早く現代アートの世界に取り込み、国際的な評価を得た。1997年には自作の放射性感知服《アトムスーツ》を着用して原発事故後のチェルノブイリ（チョルノービリ）に訪問するなど、個人的な経験と社会的なテーマを結びつけた作品群は、美術史家、ブランドン・テイラー（現・サウサンプトン大学名誉美術史教授）による『Contemporary Art：Art Since 1970』（プレンティス・ホール、2005年）など、海外の美術書にも多数掲載されている。

 

ヤノベ：「スタッフや学生にも声かけて、失礼のないように、学生には必要になる技術的なことを習得させました。学生にしたら米山さんは神様のような存在だったので、そういう人を迎え入れる環境を整えて、一緒に制作に携わった学生は、人生観が変わるくらいの経験になった。米山さんは、自分が物づくりに向かう姿勢を含めて、学生たちの面倒も見てくれました。」

 

米山：「実はプレッシャーを感じていた部分があって、他のプロジェクトがある中、スタッフさんも入ってくださっていましたし、最初は本当にやるんですか？みたいな感じの空気が漂っていて（笑）、私も本気を見せないといけないと思ってやっていたんです。それでも次第に理解していただき、いろんな出来事を経ていざ作品が出来上がり、展覧会が始まって……。レセプションにみなさんが来てくださったんですけど、顔を見た瞬間になんだか感極まってしまいました(笑)……でもそれくらい、想いが込められた創作活動を私ひとりだけじゃなくて、皆さんとすることができました。」

渋谷PARCOで開催された展覧会「EYE」では、米山は直前ともいえる約2か月間、京都に滞在しながらウルトラファクトリーに通い詰めて制作した作品を出品した。今まで米山は、SSSのメンバーらとイラストレーションの展覧会を開催したり、アクリル板や発光体を使った重層的な作品を制作したことはあるが、ウルトラファクトリーのようにすべて自分たちの手仕事で制作したり、すべてアナログによる制作はしていなかった。「EYE」に出品したアクリル板を複雑にカッティングして組み合わせた大型作品《JOY－RGB》や、3Dプリンターで出力したFRPや湾曲したアルミニウムを貼り付け、カンヴァスへ着彩したレリーフ状の作品《EYE》は、さまざまな素材をアッサンブラージュしたような手法である。また、はじめてシルクスクリーンによる版画作品も制作した。展覧会直前の試みとしてはかなりの冒険だといえるだろう。なぜそのような挑戦をする必要があったのだろうか？

 

米山：「何か課題があるとヤノベさん含めチームの方々が毎回対策を練ってくれたんです。いろんな側面からの知見や知識がおありなので、実現したいことに対して何をどうしたら良いのかのアドバイスをくださいました。
例えば半立体の作品《JOY－RGB》は、当初の予定では下地を描く予定だったのですが、他の素材のバランスを見て印刷に切り替えて他の部分に時間を費やすのはどうか、とか。レリーフ状の作品《EYE》も、FRPにする部分、3D印刷にするところの検討に大きな助言をいただいたり、作業に関しても切削にするものは分けてやった方がいいことや、各工程のスケジュール感なども教えてもらったりと、あらゆる面で学ぶことが多く勉強になりました。」

 

ヤノベ：「僕というよりも、スタッフのサポートが大きかったと思います。立体にする方法とか、かかる時間とか、どういう形なら具体的にイメージを表せるか、スタッフが楽しみながらやってくれたのが大きいですね。」

米山：「スケールがとんでもないなと思います。スケールといえば特撮やアニメをすごく理解されていて、よく見ると学生さんからも聞きました。ご自身が触れた文化、実体験に、未来に対する考えを織り交ぜながら凄まじい造形力で作品を創り出す。威厳がありながらもその中でポップカルチャーが混ざっているところがアートとして受け手に接点をつくってくれているんじゃないかなと思います。」

 

米山：「表現とか、立場とかに対して、未来を見出したいなって思っていいます。ジャンルが細かく分けられたり、それによって売り方が変ったり、そういうことに対しての疑問も多くあります。自分がアートや手作りみたいなものに挑んだらどうなるか考えたんですけど、迎合する必要はないし、自分の新しい表現に光を見出したいなと思ったんです。《サン・シスター》も希望がテーマになっているので、タイトルは、《サン・シーカー（Sun Seeker）》、追求者、探索者とさせてもらいました。今回、コラボレーションの話をいただいて、何案か描いたんですけど、ヤノベさんもこれがいいんじゃないか、と。単純にヤノベさんがマテリアルをつくって組み合わせるっていうだけだと弱いし、ヤノベさんのキャラクターだけど、それを自分なりに解釈する方がいいんじゃないかと思いました。」

 

今回のコラボレーションでは、ヤノベがつくりだしたキャラクターやストーリーを米山が解釈して新たな創造物をつくり、それを見てヤノベが彫刻部分をつくるという、かなり複雑な交流をして制作している。

 

ヤノベ：「米山さんとのコラボレーションは、僕がオーダーしたストーリーやキャラクターに沿って何かしてほしいわけじゃないんです。米山さんのイマジネーションと画力に圧倒的な素晴らしさがあるので、それによって、今まで考えたストーリーとかつくり方とは全然違うところに連れて行ってもらえる期待があります。僕の作品の印象から生まれた新しい米山さんのイマジネーションを見てみたい。《サン・シスター》から発生しているんだけど、僕ではつくれない「ミューズ」を描いてくれていて、僕が今までつくった《SHIP'S CAT》とか《サン・シスター》とは違う次元に引っ張られていく面白さがあるんです。だから、これは僕の《SHIP'S CAT》とは、全く違う作品として成立するんじゃないかと思いますし、多分そうなると思います。その扉を開ける機会になる。」

 

実は戦後、日本では華族の廃止や財閥解体、農地解放、あるいは累進課税や相続税などによって資産家が極端に減って、総平民化した経緯がある。そのため、戦前にあった上流階級のハイカルチャーとしての美術市場やコレクターは縮小し、その代わり大衆文化の中に、才能や資金が流れ込み巨大な産業、市場となって、今日に至る漫画やアニメ、特撮といったポップカルチャー、サブカルチャーのコンテンツが花開いた。そして、優れたコンテンツとなった日本の漫画やアニメは、世界の大衆文化にも浸透していく。

冷戦終結後、世界が開かれ、新たにグローバリズムが台頭する。そして大きく広がるアートマーケットの中で、日本の漫画やアニメの認知を活かして、それらのエッセンスを欧米の上流階級のハイカルチャーだった現代アートに取り入れたのが村上隆や奈良美智、そしてヤノベの世代である。今日では、グローバリズムが進行し、欧米圏だけではなく、アジアやアラブのアートマーケットも拓け、日本にも新たな富裕層が台頭している。そこでは全く異なる嗜好を持つコレクターも増えている。そこにおいて、日本の伝統工芸やサブカルチャーは大衆文化を経た新しい美術作品になる可能性を秘めているのだ。

漫画やアニメなどを創作するクリエイター、漫画やアニメの要素を取り入れるアーティストは、日本の大衆文化という共通の土壌の中で育まれてきた。だからヤノベのような現代アートの中でポップカルチャー・サブカルチャーを取り入れるアーティスト、米山のようにアニメーションやイラストレーションから始まって、美術作品を発表するクリエイターは、異色の出会いのように見えるが、合わせ鏡のような存在であり、共同制作も歴史的必然ともいえる。

さらに可能性があるとすれば、長編漫画やアニメのような大作、ストーリーではない、私的な感性、エッセイのような作品は、戦争や災害など混迷を深める世界で日常の忘れてはならない幸せや「かけがえのなさ」を想い出すものとして求められていくかもしれない。大きく変容するアートワールドの中で、ハイカルチャー・ポップカルチャー、アナログ・デジタルを横断した二人のコラボレーションが新たな歴史をどのように刻むのか期待が膨らむ。

 

文：三木学（美術評論家・色彩研究者）